Angela Marsh

The garden of creations of all good, integrates botanical with visual and textual interventions that explore humility and benevolence as forms of agency in our current humanature crisis.  Honouring the history of the site and exploring how temporalities can be circular, I was interested in seeing how the benevolent, non-material, ecological philosophy of Saint Francis of Assis (the patron saint of the PFM) could bring a philosophical dimension to our issues today, where the marginalization of people is ever present and now intertwined with a more-than-human marginalization (I am thinking of plants deemed as weeds, or of abandoned lots, both which are criticized for a lack of capitalist productivity, in blind ignorance of their ecosystematic importance and wild beauty). The values that fortified the PFM: of simplicity, joy, community, and love, as well as the importance of service for communal wellbeing, translate effortlessly as contemporary ecological and social concepts to help us navigate our path as allies to beyond-human worlds and stewards of refuge and place.

Le jardin des créations de tout bien, un projet art-rewilding (art-re-ensauvagement), intègre des interventions botaniques, visuelles et textuelles afin de soutenir l'expérience esthétique de la friche et de ses possibilités multiples.

La vocation ancienne du territoire était le lieu d’autosuffisance et du travail manuel, social et spirituel des Petites Franciscaines de Marie à Baie-Saint-Paul.  Les sœurs PFM aidaient des orphelins ainsi que des enfants et des adultes avec une déficience intellectuelle ou avec des problèmes en santé mentale, en leur apportant du soin et de la compassion.  Une de leurs techniques était de les faire travailler dans les jardins, les mains dans la terre, non pas dans un objectif de rendement ou de productivité, mais plutôt de valorisation et de soulagement.   

À notre époque actuelle, l’enjeu de la marginalisation des gens est toujours présent, et englobe maintenant la flore et la faune qui sont mises à l’épreuve par l’exploitation de la nature, des effets de la crise climatique et de la chute de biodiversité.   En 2024, la « terre mère » a des besoins criants, semblables des humains démunis; du soin et de la compassion.  Le jardin des créations de tout bien fait le pont entre à la pensée bienveillante des Petites Franciscaines de Marie et la marginalisation du vivant dans notre contexte actuel. 

 Le jardin cherche à adresser la perte de la nature dans nos expériences quotidiennes et nos imaginations collectives, en parallèle tragique avec la perte de biodiversité dans le monde naturel, en créant un lieu où la nature peut reprendre ses droits et où l’humain redevient un allié humble du vivant et du bien-être multi-espèces.

Commissaire Noémie Fortin, exposition en duo avec Anne-Marie Proulx

À l'approche de l'hiver, les baisses de température et de luminosité induisent une période de repos, un temps de pause. Les plantes conservent alors leurs forces sous terre, dans leurs racines et leurs graines, pour survivre à la saison froide. Inspirée des stratégies végétales d'adaptation hivernale, l'exposition Passer l’hiver rassemble des œuvres qui évoquent le ralentissement, la résilience et la régénération.

À Québec, une flore locale s’enracine chez Espace Parenthèses. La rencontre entre un lien intime au territoire que reflètent les images d'Anne-Marie Proulx et les plantes adventices soigneusement encapsulées par Angela Marsh crée un espace enjardiné, habité par une présence végétale à la fois fanée et vivace.

Commissaire Noémie Fortin

Angela Marsh remercie la Ville de Québec pour le soutien de son projet de création, in-situ dans le jardin de la Villa Bagatelle

Crédits photos: Marc Antoine Halle et Renauld Phillipe

Interventions in-situ et en galerie à Victoriaville: Dessin évolutif biophilique de friches, Tapisserie de plantes sauvages Mile-End - Victoriaville, mots de poésie (Isabelle Duval, 2023) imprimés en pochoir aux pigments naturels dans une station service abandonnée.

In-situ and gallery interventions in Victoriaville: Biophilic Friche drawing (in evolution), Tapestry of wild plants Mile-End - Victoriaville, poetry (Isabelle Duval, 2023) stencilled in natural pigments in an abandoned gas station.

“La friche est une portion de territoire dont l’exploitation humaine a été abandonnée et qui est laissée à elle-même. L’expression «laissé en friche» évoque un état transitoire et un déclassement. Qualifiées de terres «de peu de valeur» les friches forment pourtant une proportion significative des paysages des environs de Victoriaville : terres accidentées et plissées par le choc tectonique qui a vu naître les Appalaches; modestes terres de roches négligées par les agriculteurs dotés de machines toujours plus grosses et performantes. La désaffection de ces terres est accompagnée d’un appauvrissement du tissu social. Toutefois, les choses tendent à changer justement parce ces terres sont propices à l’expérimentation d’autres manières de travailler aujourd’hui avec le territoire.

En processus de ré-ensauvagement, la friche est un paysage emblématique des défis auxquels l’humain fait face pour la transformation de son rapport au vivant et de sa manière d’habiter le monde. Si on percevait la friche autrement que comme un lopin improductif, chaotique et muet en attente d’être exploité on y découvrirait un phénoménal havre de biodiversité, un formidable laboratoire du vivant que nos sens et notre intellect commencent à peine à explorer. C’est ce que ce projet veut amorcer en posant sur les friches environnantes les regards croisés d’artistes, de penseurs et d’acteurs du milieu.

Chacun.e des quatre artistes invité.e.s (Mériol Lehmann, Karine Locatelli, Angela Marsh et Sonia Reboul) séjourne dans la région pendant une douzaine de jours répartis en petits blocs de résidence in situ au cours de l'été. Leurs projets de création se développent au fil d'un va-et-vient entre l'espace ouvert et indiscipliné de la friche et le cube blanc du centre d'art. Ainsi, composée d'abord avec des oeuvres existantes, l'exposition évoluera et se transformera avec le temps.

Dominique Laquerre, commissaire

It’s really just a love story is a human/nature co-creation project conceived by the artist Angela Marsh. The point of departure for the installation – a living laboratory that encompasses ecology, land-use planning, the visual arts, literature and science – was the deliberate non-act of allowing the grass to grow, so that wild plants and the various species they nourish could re-inhabit this meadow space.

What happens when “re-wilding” is allowed and encouraged? This artistic, ecological and philosophical wilderness, whose title is taken from a quote by the American ecologist Rue Mapp, challenges traditional ways of sharing space and of juxtaposing nature and culture.

By seeding indigenous species, creating pathways that enhance the sense of intimacy experienced by visitors, installing wrought iron railings that prompt a reflection on the notion of private property and drawing inspiration from plants to reimagine our territories as shared lands, the artistic interventions in the space create new forms of drawing on the landscape that will evolve over time.

Completing the work are the words of guest poet Andrée Levesque Sioui in Wendat, French and English, who invites visitors to set aside the functional perspective in order to concentrate on their sensorial connection to the immediate surroundings.

This project is presented by the Musée National des beaux arts du Québec and the National Battlefields Commission. The creation of this work was made possible thanks to the financial support of the Conseil des arts et des lettres du Québec.

https://www.ccbn-nbc.gc.ca

https://www.mnbaq.org

C’est vraiment juste une histoire d’amour est un projet de co-création humain-nature imaginé par l’artiste Angela Marsh. Laboratoire vivant touchant l’écologie, l’aménagement du territoire, les arts visuels, la littérature et la science, l’installation part du non-geste conscient de laisser pousser la pelouse, de sorte que les plantes sauvages ainsi que les espèces qu’elles accueillent se réapproprient l’espace gazonné.

Que se passe-t-il lorsque le « réensauvagement » est permis, désiré ? À la fois artistique, écologique et philosophique, la friche, dont le titre s’inspire d’une citation de l’écologiste américaine Rue Mapp, remet en question nos façons traditionnelles de partager l’espace et de faire cohabiter nature et culture.

Semer des végétaux indigènes, tondre des sentiers qui nourriront l’intimité de l’expérience vécue par le public, installer des barrières en fer forgé en rappel aux enjeux liés à la propriété privée et s’inspirer des plantes pour considérer nos territoires comme des terres partagées, les interventions de l’artiste prennent la forme de « dessins paysagistes » voués à se métamorphoser au fil du temps.

Les mots de Marilyne Busque-Dubois, poétesse invitée en 2021 et d’Andrée Levesque Sioui, poétesse invitée en 2022, complètent l’œuvre en conviant la promeneuse ou le promeneur à ranger son réflexe utilitaire pour plonger son regard vers la relation sensible qu’elle ou il entretient avec l’environnement qui l’entoure.

Projet réalisé en collaboration avec le Musée National des beaux arts du Québec, la Commission des champs de bataille nationaux. La création de cette œuvre a été rendue possible grâce à l’appui financier du Conseil des arts et des lettres du Québec.

La Friche: Toronto

Angela Marsh

July 23 – September 3, 2022

Reception July 23 2022 from 1-3 pm

My current artistic research on urban wild plants, which began in 2017, is born from my admiration and curiosity for these resilient florae. Their untamed tenacity and important ecosystemic role in reconditioning the soil, removing heavy metals, and nourishing the biomass gives me hope in this era of ecological crisis; archetypal reminders that life remains possible amidst the ruins. My foraging hints towards a future way of co-existing while simultaneously harkening to the past, to our collective history of gathering, of being vulnerable and sensitive to the cycle of the seasons, the growth of the wild-plants and the changeability of it all. Imagining a possible cohabitation between humankind and our wild plant cousins, I began to see my "tapestries" as artistic-yet-functional seed banks for these plants that are often targeted by pesticide companies for their brave adaptability and resilience, my gesture being one to honour and validate these species that are often so violently "man-aged." This project includes tapestries, drawings and photographs from Toronto (2022) as well as previous *Friche projects realized in different cities: Cambridge, Ontario (2020), Montréal (2019) and Québec-Lévis (2018).

*"Friche" is a French word meaning un-cultivated land, which I find more neutral than our English words "wasteland" or "abandoned lot" (abandoned perhaps by humans, but not by a multitude of other species).

I wish to thank the wild plants I found in the streets in walking proximity to the 401 Richmond building, this project being made possible only through a true interspecies collaboration. Fragments were carefully collected with respect and attention to the wellbeing of the plant. I would also like to thank Mary Taylor of the Curve Lake First Nation for the plant translations in Anishinaabemowin/Mississauga and for her generous sharing of knowledge, and Jenny Blackbird from the University of Toronto for her wonderful assistance in helping me find a translator so that the native plants found in this project could be identified by their Indigenous names rather than colonially imposed ones.

I gratefully acknowledge the support of the Canada Council for the Arts for the creation and presentation of this project.

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It’s really just a love story is a human/nature co-creation project conceived by the artist Angela Marsh. The point of departure for the installation – a living laboratory that encompasses ecology, land-use planning, the visual arts, literature and science – was the deliberate non-act of allowing the grass to grow, so that wild plants and the various species they nourish could re-inhabit this meadow space.

What happens when “re-wilding” is allowed and encouraged? This artistic, ecological and philosophical wilderness, whose title is taken from a quote by the American ecologist Rue Mapp, challenges traditional ways of sharing space and of juxtaposing nature and culture.

By seeding indigenous species, creating pathways that enhance the sense of intimacy experienced by visitors, installing wrought iron railings that prompt a reflection on the notion of private property and drawing inspiration from plants to reimagine our territories as shared lands, the artistic interventions in the space create new forms of drawing on the landscape that will evolve over time.

Completing the work are words by guest poet Marilyne Busque-Dubois, who invites visitors to set aside the functional perspective in order to concentrate on their sensorial connection to the immediate surroundings.

This project is presented by the Musée National des beaux arts du Québec and the National Battlefields Commission.

https://www.ccbn-nbc.gc.ca

https://www.mnbaq.org

C’est vraiment juste une histoire d’amour est un projet de co-création humain-nature imaginé par l’artiste Angela Marsh. Laboratoire vivant touchant l’écologie, l’aménagement du territoire, les arts visuels, la littérature et la science, l’installation part du non-geste conscient de laisser pousser la pelouse, de sorte que les plantes sauvages ainsi que les espèces qu’elles accueillent se réapproprient l’espace gazonné. 

Que se passe-t-il lorsque le « réensauvagement » est permis, désiré ? À la fois artistique, écologique et philosophique, la friche, dont le titre s’inspire d’une citation de l’écologiste américaine Rue Mapp, remet en question nos façons traditionnelles de partager l’espace et de faire cohabiter nature et culture. 

Semer des végétaux indigènes, tondre des sentiers qui nourriront l’intimité de l’expérience vécue par le public, installer des barrières en fer forgé en rappel aux enjeux liés à la propriété privée et s’inspirer des plantes pour considérer nos territoires comme des terres partagées, les interventions de l’artiste prennent la forme de « dessins paysagistes » voués à se métamorphoser au fil du temps.

Les mots de Marilyne Busque-Dubois, poétesse invitée en 2021, complètent l’œuvre en conviant la promeneuse ou le promeneur à ranger son réflexe utilitaire pour plonger son regard vers la relation sensible qu’elle ou il entretient avec l’environnement qui l’entoure.

Projet réalisé en collaboration avec le Musée National des beaux arts du Québec, la Commission des champs de bataille nationaux.

The group exhibition Human | Nature addresses the many forms of relationships that human beings entertain with what our languages refer to as “nature”. Whether they are oppositional, symbiotic, utopian or extractive, these relations are often based on the implicit premise of a distinction between the two parties named in the title of the exhibition. The vertical bar inserted in the title can either be read as a division, establishing a more or less porous border between the two parties, or on the contrary as a mirror, implying that these two parties, in reflecting each other, may in fact be one.

The installations in the exhibition all point to the actions we humans take towards nature, be it material or imaginary. The desire to understand nature, to reclaim it, to classify or to embrace it are all impulses reflected in the projects of Atom Cianfarani, Angela Marsh, Laurent Lévesque & Olivier Henley, as well as Johannes Heldén & Håkan Jonson. A selection of videos from Groupe Intervention Vidéo’s catalogue complements the exhibition with works by Marie-France Giraudon, Shannon Lynn Harris, Gunzi Holmström and Nelly-Eve Rajotte.

L’exposition collective Nature | Humaine traite des diverses formes de relations que les êtres humains entretiennent avec ce que nos langages qualifient de «nature». Qu’ils soient oppositionnels, symbiotiques, utopiques ou extractifs, ces rapports se fondent souvent sur la prémisse implicite d’une distinction entre les deux parties nommées dans le titre de l’exposition. La barre verticale qui y est insérée peut soit être lue comme une division, établissant une frontière plus ou moins poreuse entre les deux parties, ou au contraire comme un miroir, insinuant que ces deux parties, en se reflétant mutuellement, pourraient en fait ne faire qu’un.

Les installations regroupées dans l’exposition témoignent toutes des actions que nous, humain.e.s, posons envers la nature, qu’elle soit matérielle ou imaginaire. Le désir de comprendre la nature, de la récupérer, de la classer ou de l’embrasser sont autant d’impulsions qui se traduisent dans les projets d’Atom Cianfarani, d'Angela Marsh, et des duos composés de Laurent Lévesque & Olivier Henley, ainsi que de Johannes Heldén & Håkan Jonson. Une programmation vidéo issue du catalogue du Groupe Intervention Vidéo présente en complément des oeuvres de Marie-France Giraudon, Shannon Lynn Harris, Gunzi Holmström et Nelly-Eve Rajotte.

Let the dark be dark and the wild be wild, the title of this project is taken from the work of Carol Bigwood (1993). As the 2nd invited artist to the Colis d’art project of the Musée Ambulant, I was commissioned to create 1000 original works of art over a 4 - 5 month timeframe. Seeking to adhere to the ethical principals of my practice, I created this project using only recuperated and natural, sustainable materials, mixing the inks from non-toxic, responsibly-sourced earth pigments and carving the image from offcuts of cedar wood. Each piece was printed on a specially selected piece of newspaper, mounted on cardboard with homemade Nori paste and finished with mica ink brushwork and embroidery stitches.

Several mediums rub shoulders in the work, revealing the process that led to its creation. The blackness of the ink expressing vegetal forms, printed on the newspaper, suggest the residue of a fire. A closer look reveals hints of golden light and embroidered seeds, life that exists in waiting, suggesting the hope that lies in the possible.

What narratives unfold? How do your actions affect ecosystems? Can we choose to live, consume and create in gentler, more careful ways?

I gratefully acknowledge the support of the Canada Arts Council for the Arts.

Plusieurs médiums se côtoient sur l'œuvre, révélant le processus qui a mené à sa création. La noirceur de l’encre des végétaux, imprimée sur le papier journal, suggère les résidus d’un feu. En observant de plus près, on remarque une étincelle dorée et des semences brodées, de la vie qui renaît après l'incendie, l’espoir des possibles.

Que pouvez-vous décoder ? Comment vos gestes affectent-t-ils les écosystèmes ? Comment peut-on choisir de vivre, consommer et créer d’une façon plus douce et réfléchie?

Je remercie le Conseil des Arts du Canada pour de son soutien.

Photo credits: Denis Baribault

Land Marks is a community-centric art project that challenges us to consider our relationship with the land we live on through the marks we make, and the responses we receive. From fences to footpaths, contaminated to cultivated soil, each mark left tells an intricate environmental, social, and cultural story, describing our relationship not only with the natural world, but the people we share it with.

My project, In Wildness is the preservation of the world, consisted of the creation of a new bubble wrap tapestry from local wild plants and the photo documentation of abandoned lot sites, an exhibition which showcased previous and current work, a wild plant inventory (85 different species found in Cambridge!) and a collaborative outreach project project to local high schools.

I would like to thank the support of the University of Waterloo’s School of Architecture, Cambridge Art Galleries and the Conseil des arts et lettres du Québec.

Photo credits: Zaven Titizian

http://land-marks.ca/

La Friche, Mile-End is an evolution of my ongoing artistic investigation into our urban wild spaces, which entailed the creation of a new “tapestry”; wild plant fragments sewn into recuperated bubble wrap, along with the disposition on the ongoing weed-seed bank, a series of wild plant portraits on recuperated paper and the projection of a photographic image taken during the field work in the local abandoned lots of Montreal. The project also involved the creation of a plant inventory/lexicon of over 60 local species found, considering the cultural and ecological role of each plant. My Friche projects investigate the co-habitation of culture and nature in our post-industrial/commercialized friches (uncultivated land in French), which I see as our contemporary urban-wild commons, suggesting possible reconciliations and other ways of creating space and connection.

La Friche, Mile-End est l’évolution de mes recherches artistiques actuelles dans nos espaces sauvages urbains, ce qui a entraîné la création d'une nouvelle «tapisserie»; des fragments de plantes sauvages cousus dans du film à bulles récupéré, ainsi que la disposition d’une banque de graines artistique, une série de portraits de plantes sauvages sur du papier récupéré ainsi que la projection d’une image photographique prise lors des travaux sur le terrain dans les terrains abandonnés de Montréal. Le projet a également impliqué la création d'un inventaire / lexique de plantes de plus de 60 espèces locales trouvées, leurs rôles culturelles et écologiques. Je propose une réflexion sur la dichotomie culture/nature dans nos paysages urbains postindustriels/commercialisés et abandonnés. Paysages qui peuvent être considérés comme nos biens communs contemporains de lieux sauvages urbains, proposant aussi des possibles rapprochements et d’autres moyens de créer de l’espace et de tisser des liens.

L’Espace culturel du Quartier de Saint-Nicolas présente une exposition collective intitulée Roche Papier Plastique du 9 juin au 29 septembre 2019, pour laquelle Angela Marsh a fait une installation de ses oeuvres sculpturales et picturales qui comprennent aussi des travaux in-situ (un dessin fait sur la site et des interventions dans le lieu). Crédit photo: Denis Baribault

L’exposition collective regroupe des œuvres diversifiées de douze artistes invités, provenant de différentes régions du Québec et locaux; André Lemelin, Angela Marsh, Aline Martineau, Chantal Laparé, José Luis Torres, Laurent Gagnon, Marius Blais, Nathalie Trépanier, Rahma Guizani, Romjy, Sylvie Lajoie et Vincent Daoust. L’exposition aborde la création comme un jeu ludique permettant de voir la matière autrement, de la réinterpréter et de la redécouvrir. Récupération de matériaux, transformation et détournement d'objets usuels seront surprendre et émouvoir. Les œuvres s’empareront de l’ancien presbytère de Saint-Nicolas et du site extérieur pour en mettre plein la vue aux visiteurs.

In the vitrine of Regart, Centre d’artistes en art actuel, Lévis, Québec. September 14 - October 28, 2018. Photo credit: Jérôme Bourque

In foraging the small plant fragments from urban abandoned lots (or friches, in French) for the creation of this tapestry, my attention in drawn to the beauty of this action of wild-colonization. I find these urban friches to be incredibly comforting, a sign of hope; biophilic resonances that survive between the biophobic constructions.  My foraging-activities seem to hint towards a future way of co-existing while simultaneously harkening to the past, to our collective history of gathering, of being vulnerable and sensitive to the cycle of the seasons, the growth of the wild-plants and the changeability of it all.

Resonating with this idea of repairing, meditative in its repetitive gesture, the sewing of the tapestry has taken on significance beyond the technical and aesthetic considerations of the project. The Cartesian desire to be master of nature, to see itself as separate from rather than integrated within the ecosystematic complexity, and the hierarchy imposed between human need (primary) and ecological need (subordinate) has created a society that remains disconnected from its source.  And because we are not using these patches of land that become re-colonized by wild things, we deem them waste-lands, filled with mauvaises herbes (literally translated as bad plants in English). Our society’s desire for monoculture aseptic lawns and weed-free concrete become daily metaphors for this malignant socially-imposed hygiene that declares war on all that cannot be controlled. When I work with the small plants to create the tapestry, I am not only amazed by their beauty, tragically invisible to most due to the “weed” label they bear, but also by their synergy of dualities: delicacy with tenacity, wasteland with life. These plants, the weeds, an expression of the brilliant life force of nature amidst adversity, have an important role in recolonizing waste-lands and bringing nutrients and biomass back to the soil.  I wonder, how is it that they are so ruthlessly attacked by man, either with noxious weed whippers, or with toxic chemicals like Monsanto’s Round-up (or glyphosate, which in turn destroys the very biome of the soil, the complexity that supports all life on earth).  All in the name of preserving the duality at all cost, making sure that we don’t let nature in.

Je suis fascinée par des espaces sauvages qui réussissent à survivre dans nos environnements urbains et cultivés.  Dans le processus de mon projet je détourne mon regard des occupations humaines vers des recolonisations du sauvage, ces petits ilots de wild qui survivent aux milieux urbains et suburbains, ces vestiges de l’autrui avec une complexité vertigineuse.   À travers mes questionnements sur les hiérarchies humaines imposées entre la dichotomie culture/nature, mon projet est le résultat d’une autre façon d’expérimenter notre relation au sauvage en ville.

Par la création de cette tapisserie, mon geste est non seulement esthétique (une envie de rendre hommage à l’incroyable beauté et à la diversité de ces lieux sauvages-urbains), mais aussi symbolique. En effet, cela exprime ma volonté de préserver et de valoriser ces espèces considérées comme étant nuisibles, seulement parce qu’elles sont jugées inutiles pour l’usage humain (dans une hiérarchie égocentrique qui définit le degré d’utilité des espèces au monde naturel). Au fur et à mesure que les fragments sèchent, leurs graines sont conservées dans les petites gousses en plastique. La tapisserie fonctionne donc comme une sorte de banque de graines (que je trouve pertinente à notre époque de la domination de Monsanto, entreprise géante des OGM). L’acte de coudre, l’acte méditatif de la fermeture des fragments végétaux dans les cosses en papier bulle récupéré représente pour moi un geste puissant; un geste qui défie le besoin de dominer et de détruire tout ce qu’il ne peut apprivoiser ni contrôler.

James Corner (1999), paysagiste et théoricien, s’intéresse à la distinction entre landskip (paysage comme artifice, principalement visuel, pictural et parfois iconique) et landschaft (paysage comme milieu occupé dont les effets et la signification s’accumulent par la tactilité, l’utilisation et l’engagement au fil du temps).  “In landskip, the making of a picture participates in and makes what is to be pictured, whereas in landschaft the formation of synaesthetic, cognitive images forges a collective sense of place and relationship evolved through work.” *

Dans ce projet, dans cet esprit de landschaft, le processus de travail agit comme une manœuvre où mes actions et mes créations sont inspirées par les friches autour de moi, qui, à leur tour, en inspirent d’autres (les participants, les citoyens) dans une relation d’engagement, d’intimité, en cherchant « a collective sense of place » dans ces paysages oubliés.

* Corner, James (dir.) (1999).  Recovering Landscape.  Essays in Contemporary Landscape Architecture.  New York, Princeton Architectural Press.

L'ancienne école de Beaux Arts de Montréal, Rue St. Urbain, Montréal

Février 2018

La Courtepointe, l’oeuvre in-situ, 12’ x 5’, plastique récupéré et fils, cousu à la machine et à la main

La Courtepointe, in-situ project, 12’ x 5’, recuperated plastic and thread, machine and hand-sewn

Photo credits:  Alexis Belavance

Programme de diffusion en arts visuels et métiers d'art 2017

L'Institut Canadien de Québec, Bibliothèque de Québec. 

Bibliothèque Aliette-Marchand, 6 juillet – 3 août 2017

Bibliothèque St Jean Baptiste, 5 – 30 octobre 2017

Seeking to reinterpret the myth of Apollo and Daphne from Ovid’s Metamorphoses in a contemporary and well as deeply personal light, this project is a coming-together of my visual imagery with embroidered citations from Ovid’s Metamorphosis as well as passages from contemporary poets and ecofeminist thinkers.   The pictorial pieces are oil paint and graphite on recuperated, sanded down mdf board, and the embroidery pieces (in both French and English) are created from coloured threads on scavenged plastics.  While a more modest version of this project is being exposed this year in two libraries in Quebec City, the project as proposed to La Centrale is a more ambitious installation of 25 pictorial and embroidered works.

In the ancient myth, Apollo, struck by Cupid’s vengeful arrow, becomes obsessed with the young nymph Daphne, who wishes to remain free and celibate.  Fleeing his aggressive advances (which by contemporary interpretations could be considered attempted rape), she prays to her father: “Help me my father, if thy flowing streams have virtue! Cover me, O mother Earth! Destroy the beauty that has injured me, or change the body that destroys my life”… Before her prayer was ended, torpor seized on all her body, her skin becoming bark, her arms branches, and her feet clinging roots that fastened to the ground.

Although Daphne’s transformation was complete, Apollo’s desire for her remained; “although thou canst not be my bride, thou shalt be called my chosen tree, and thy green leaves, O Laurel!” In an interesting transfer of unsatisfied desire, Apollo takes possession of the tree, deciding to use the laurel’s branches as crowns, and for his quiver and lyre, as we might satiate a hunger through shopping in our consumerist culture.

We also understood that women all over the world, since the beginning of patriarchy, were also treated like « nature », devoid of rationality, their bodies functioning in the same instinctive way as other mammals.  Like nature they could be oppressed, exploited and dominated by man.    (Maria Mies et Vandana Shiva, 2014)

Although Daphne seeks sanctuary in nature, tragically she will still be violated, nature and women being equally vulnerable to possession and domination.

However, Daphne’s turning to nature for salvation is archetypal of an urgency that for me is deeply relevant on a personal as well as a broader social scale, a reintegration of culture into nature, a refutation of the Cartesian systems of dominance and control. 

In light of the male logos, the earth can only show itself as silent, dark, wild and threatening.  How would it be if we could show the earth in a new, nonoppositional light – in a way that lets the dark be dark and the wild be wild rather than dispensed with as irrational?  How would it be if we could show that seemingly threatening wilderness not as other and not segregated to the male institution of the domestic, but as « home », in other words, as belonging-place?   Carol Bigwood, 1993

Depuis plusieurs années je peins des portraits d'arbres, ou plutôt des images d’arbres/corps en métamorphose. À travers une observation constante de ces géants urbains qui m’entourent, je vois dans l'arbre une évocation du corps féminin; musclée, enceinte, portant souvent des cicatrices et des blessures de son vécu, mais toujours magnifique.

Dans le mythe d'Ovide Apollon et Daphne, Daphne, qui est victime des agressions d’Apollon, se réfugie dans la nature, en se transformant en arbre.  Selon le conte, Apollon, piqué par la flèche maline de la cupidité, poursuit avec un orgueil démesuré et une passion débordante la belle Daphné, qui souhaite rester célibataire et libre.  Désespérée par ses avances agressives, elle prie son père (le dieu Pénée) de transformer  son apparence, qui plaît trop :

À peine sa prière achevée, voici qu’une pesante torpeur envahit ses membres; sa tendre poitrine est enveloppée d’une mince écorce, ses cheveux s’allongent en feuillage, ses bras en rameaux, son pied, tout à l’heure si rapide, est retenu au sol par d’inertes racines; son visage, à la cime, disparaît dans la frondaison. Seule subsiste en elle l’éclate de son charme.

Daphné, en cherchant un sanctuaire, se tourne vers la nature comme refuge, évoquant l’urgence qui, pour moi, est aussi pertinente dans un sens intime que dans un sens sociétal plus large. 

À travers ce projet, je tisse des réflexions entre mon imaginaire et des citations diverses (d’Ovide et de le pensée écoféministe), dans une tentation de comprendre la problématique des dualités qui nous confrontent dans notre société moderne ; la culture/la nature, l’esprit/le corps, et l’homme/la femme.

Puisque tu ne peux pas être mon épouse, tu seras du moins, dit Apollon, mon arbre.

This projet was exposed during the event Mars de la Maîtrise at University Laval, March 2017.   Small fragments of nature were encapsulated in hand-sewn plastic pockets and fixed to the wall, a critique on the Cartesian way of quantifying and separating nature (which ironically is also an artistic way of installing work) as well as a reflexion on our societal fear of death and decay.  

Photo credits:  Mériol Lehmann

Dans La Préservation, je réfléchis à notre tendance occidentale à vouloir nous séparer des systèmes naturels, qui, selon moi, donne lieu à un déni et une angoisse sociétale face à la mort.  En voulant nous arracher de notre connexion avec la nature (afin de pouvoir la maîtriser), nous avons oublié notre place dans ce système cyclique où la mort n’est qu’une étape dans le cycle de la vie, qui nous renvoie encore à la naissance (comme on le voit dans une forêt; un arbre qui se décompose nourrit le sol et fait naître de nouvelles formes de vie).  À travers mon œuvre je critique cette vue cartésienne qui essaie de séparer et gérer la nature et ses composants, jusqu’à latentation d’arrêter l’entropie naturelle.  Malgré ces intentions, les petits fils qui bougeaient, dont le mouvement était causé par le déplacement de l'air ambiant dû à la ventilation du lieu, faisaient connecter chaque petite pochette, soulignant la symbiose des systèmes et le fait que rien n’est isolé (malgré les tentatives humaines).

Ce projet a été exposé lors de Mars de la Maîtrise, en Mars 2017, à l'Université Laval.  Crédit photo:  Mériol Lehmann.

25 mai au 9 juin 2017

Salle d’exposition pavillon Alphonse-Desjardins, Université Laval

Annie Lalande, Angela Eve Marsh et Karen White, trois femmes artistes conviennent le public à l’exposition Reclaiming, qui aura lieu du 25 mai au 9 juin 2017 à la Salle d’exposition du pavillon Alphonse-Desjardins de l’Université Laval.  Dans le cadre de cette exposition collective, les trois artistes explorent chacune de sa façon la notion de la connectivité, touchant à l’intimité, la présence, la biophilie et l’empreint ancestrale.

Dans un partage vif et engagé de leur maternité, leur féminité et leur intérêt pour la création artistique, Reclaiming est le fruit d’un regroupement collectif qui souligne la diversité des démarches individuelles des trois femmes tout en faisant lieu d’un échange de cultures, d’idées et d’expériences.

Canado trinidadien, Annie Lalande nait en Ontario dans une communauté franco-ontarienne. Elle complète son baccalauréat en 2001. Après près de 10 ans de pause, elle reprend la création et s’investit en dessin. Elle est présentement en fin de maitrise. À première vue, ses dessins présentés sont organiques, minutieux et fluides. Elle s’intéresse au dialogue avec la matière, aux motifs de la nature, à la lenteur d’exécution et à l’apprivoisement de ce qui se crée.

La formation précédente en histoire de l’art (baccalauréat) et en éducation (maîtrise) d’Angela Eve Marsh nourrit ses réflexions actuelles alors qu’elle poursuit ses études à la maitrise. Originaire de Toronto, elle est installée à Québec depuis 2008. Dessins Biophiliques est un regroupement d’une centaine de dessins de fragments du vivant, qui propose un regard critique et sensible sur notre perception et notre conception de la nature en milieu urbain. 

D’origine jamaïcaine, Karen White nait en Angleterre et fait ses premières études post secondaire en télévision là-bas. Elle s’établit au Canada en 1994 et fonde une famille. Elle complète présentement son baccalauréat. À première vue, ses photos présentées sont des portraits avec des objets du quotidien dans un contexte artificiel particulier. Elle s’intéresse à ses ancêtres, aux questions d’identité et à une spiritualité perdue.

Exposition Collective avec Ann Karine Bourdeau Leduc

12 avril - 3 mai 2016

Maison du développement durable, Montréal

This juried group exposition in January 2016 at the Galerie des Arts Visuels in Université Laval featured my work alongside that of three other artists, Rosalie Gamache, Florence Morissette and Andreanne Perron.

https://www.art.ulaval.ca/files/arv/Impact-Campus-banc-essai-2016.pdf

Smother looks at the complexity of nurturing and power-based relations:  between mother and child, government and society, man and nature.  Where are our limits of love and control?  Where does protection engender powerlessness?  This project was installed outside on several sites in the Quebec City area.

“Smother” est une expression anglaise qui joue avec le mot mother en mettant un s au début, ce qui transforme le mot pour signifier smother ; d’étouffer, de suffoquer.  Une « mère-poule »

Smother, un projet in-situ, se questionne sur des problématiques dans les relations complexes où on est confronté aux tensions entre le pouvoir et la responsabilité, parmi l’amour, le contrôle et la liberté.   Le projet est né de mes réflexions des structures de l’amour, de la protection et du contrôle construites par la mère vers (et autour de?) son enfant, parfois aidantes, parfois nuisables, parfois puissantes, parfois fragiles.   Également, le projet s’interroge sur des relations semblables entre l’humanité et la nature, en s’étendant la sphère privée vers la sphère publique et la « gestion » de notre monde naturel.